Das ist DIE VIDEOAGENTUR in Deutschland

Aber eins nach dem anderen: Was denken Sie, ist die größte Herausforderung im B-to-B-Bewegtbildmarketing? Richtig, komplexe Sachverhalte in meist unter drei Minuten so einfach und eingängig wie möglich einer speziellen Zielgruppe erklären. Wenn uns ein neuer Kunde beauftragt, liefert er uns anfangs oft seitenweise Informationen zu seinem Unternehmen, Produkten und Leistungen. Dazu kommen Kick-Off-Meetings, Telefonate, Flyer, Power-Point-Folien, die Unternehmenswebsite… All das, damit wir verstehen, was das Unternehmen eigentlich macht. Eines ist klar: Die Zielgruppe hat nicht die Zeit, sich all das durchzulesen.

Diese Menge an Informationen müssen wir dann herunterdampfen auf wenige schlagkräftige Sätze, eine bestimmte Stimmung und Bilder, eben auf unter drei Minuten Film, ohne dass Wichtiges verlorengeht oder dass wir den Zuschauer überfordern. Das ist die Kunst hinter unserem B-to-B-Marketing, das ist das Handwerk, das wir in unserem Kommunikationsstudium und in mehr als 800 Filmproduktionen in über 14 Jahren gelernt haben.

Aber das ist nur der erste Schritt: Haben wir all die Informationen erst einmal auf das Wichtigste komprimiert, stellt sich eine neue Frage, welches der beste Weg ist, um diese Inhalte an die Zielgruppe zu vermitteln? Natürlich gibt es auch hier branchenbekannte Standardlösungen, Blaupausen für Filmaufbau und Dramaturgie, die auch in vielen Fällen ihre Daseinsberechtigung haben. Unser Anspruch ist es aber, viel genauer hinzuschauen, mit welcher Zielgruppe und welchem Auswertungsweg wir es zu tun haben, und die Inhalte und die Inszenierung darauf maßzuschneidern.

Das ist deshalb gar nicht so einfach, weil sich die Anforderungen gerade im B-to-B-Bereich oft ähneln: Wir haben beispielsweise schon Filme für dutzende Firmen gemacht, die im Zuliefer-Bereich Produkte in eigenen Produktionsanlagen herstellen. Das heißt, dass sich auch die Drehorte und Motive ähneln: der typische Meeting-Raum, der PC-Arbeitsplatz, die Produktionshalle mit mehreren Maschinen, Qualitätssicherung, das Lager und die Logistik. Hier nicht jedes Mal dieselbe Art von Film, von Inszenierung abzuliefern ist eine Herausforderung, aber unbedingt notwendig, denn auch wenn sich die Unternehmen ähneln, ihre Kunden tun es nicht und am Ende soll der Film in seiner gesamten Kreation überzeugen!

Also bedarf es immer neuer Inszenierungskonzepte, damit jedes Unternehmen in seinem eigenen passenden Licht erstrahlt: So macht die Wahl der Kameraperspektiven einen großen Unterschied, auch die Entscheidung, ob man ruhig vom Stativ bzw. leicht bewegt von einer Schiene oder dokumentarischer aus der Hand filmt. Das Licht spielt eine riesige Rolle: natürlich oder überinszeniert wie in einem Hollywoodfilm? Hell oder atmosphärisch dunkel? Farbenfroh oder stylish reduziert? Und wie dreht man eigentlich die Interviews (sofern es welche gibt): vor neutralem Hintergrund? Direkt am Arbeitsplatz? In Nahaufnahmen oder Totalen? Bewegt oder unbewegt? Locker wie ein Gespräch oder streng gescriptet? Schaut der Interviewpartner direkt in die Kamera oder vorbei zum Redakteur? In welcher Sprache? Wie geht man mit Making-of-Szenen um?

Wir versuchen auch bei der Auswahl der Motive detailliert vorzugehen. So ist die Auswahl von technischen Anlagen, Verfahren und Arbeitsschritten, die vor der Kamera gezeigt werden sollen, oft sehr wichtig. Für einen Außenstehenden sieht eine Fräsmaschine aus wie irgendeine Maschine. Der Kenner auf Seiten der Zielgruppe sieht hier aber 1000 Details: Ist das Unternehmen potent und investiert in edle Anlagen? Welche Achsen und Materialien werden beherrscht? Wie groß ist das Know-how? Wie groß sind die Werkstücke? Wie viele Anlagen davon gibt es in einer Halle? Wie hoch ist der Digitalisierungsgrad? Wie viel wird automatisiert? Wie viele Werkstücke liegen im Lager etc.

All das sind Stellschrauben, mit denen wir schon bei den Dreharbeiten dem Film eine ganz klare stilistische und inhaltliche Richtung geben und über die wir uns in der Konzeptionsphase auf Basis der Anforderung des Kunden Gedanken gemacht haben.

In der Postproduktion geht dieser Prozess dann aber noch weiter: Wie lang geht der Film, was ist der Zielgruppe zumutbar? Gibt es einen, meist zwangsläufig werblich wirkenden, Offtext? Oder arbeiten wir nur mit Statements und Interviews oder sogar ganz ohne Sprache? Welche Worte, welche Ansprechhaltung, welcher Sprachstil passt am besten zur Zielgruppe unseres Kunden? Und welche Stimme? Helfen Animationen, komplizierte Sachverhalte verständlicher zu machen? Oder würden sie nur den Fluss des Films stören und vom Inhalt ablenken? Mehr ist nicht immer mehr oder wie Steven Spielberg gern sagt: „If you doubt, cut it out!“

Und welche Musik entspricht am ehesten dem Kunden, der Zielgruppe, der zu vermittelnden Botschaft? Schnell und modern? Langsam und epochal? Elektronisch oder klassisch? Extra komponiert oder aus einer Bibliothek eingekauft? Sie ist ein Schlüsselelement, denn ein Großteil der Emotion, die sich beim Sehen des Films entwickelt, beruht auf ihr, genauso übrigens wie die Schnittgeschwindigkeit, also das ganze Tempo des Films.

Und selbst wenn das alles entschieden ist, ist der Film immer noch nicht fertig, denn jetzt folgt die Farbkorrektur. Sie gibt dem Film den letzten Schliff, entscheidet ein weiteres Mal, was für ein Typ Film am Ende rauskommt: dokumentarisch und natürlich oder inszeniert und werblich? Mit einem blockbustertypischen kontrastreichen Orange-/Teal-Grading? Oder doch lieber zurückgenommen entsättigt?